Neue Netflix-Originalfilme: Ausgabe Juli 2023

Nach dem Durchbrennen des neuen und verbesserten „Extraction 2“ können Netflix-Abonnenten zwischen vier neuen Liebeskomödie aus vier Ländern wählen, die sich alle um die Spannungen zwischen Liebe und Geschäft drehen. (Nur einer zeigt jedoch, dass Gabrielle Union auf der Cougar-Seite einen Spaziergang macht.) Wer sich nicht für Liebeskummer interessiert, kann mit einem schlüpfrigen japanischen Rachethriller, der seine Karten viel näher ausspielt, so weit wie möglich in die entgegengesetzte Richtung gehen. Ein peppiger Genre-Mash-Up beschert Netflix einen der am besten rezensierten und meistgesehenen Zeichentricktitel, und diejenigen, die nach der Nachfolge immer noch unter Entzugserscheinungen leiden, können ihre Symptome mit einer gruseligen Darbietung von Sarah Snook lindern. Auf jeden Fall ist der Sommer da und wir alle brauchen einen guten Grund, der Hitze zu entfliehen; Netflix kommt diesem Wunsch gerne nach. Lesen Sie weiter, um ausführliche Informationen zu den Netflix-Originalfilmen zu erhalten, die diesen Monat neu zum Dienst hinzugefügt wurden.

Der Titel dieses Spin-offs aus dem Jahr 2018Der postapokalyptische Survival-Thriller klingt wie eine Reality-Show, in der sich 20-Jährige im Laufe eines verrückten Sommers treffen, ist aber tatsächlich eine überraschende Verbesserung gegenüber dem dämlichen Original.Drehbuchautoren und Regisseure David und Àlex Pastor tun sich selbst einen Gefallen, indem sie die Monster, die alle töten, die ihre Augen öffnen, als eine abstraktere und konzeptionellere Kraft als beim letzten Mal interpretieren, jetzt möglicherweise eine Erweiterung des göttlichen Willens Gottes oder eine Eigenart der Quantenphysik. Ihr anderer kluger Schachzug betrifft die wahre Natur des Protagonisten Sebastián (Mario Casas) und seiner Tochter Anna (Alejandra Howard). Die Innerlichkeiten und Sympathien der Charaktere werden beide mit Wendungen herausgefordert, die eine tiefere Bedeutung haben, als nur den Teppich zu ziehen. Das Handlungsschema des vorherigen Films, das einen anstrengenden Exodus auf der Suche nach einem Zufluchtsort zeigt, wird in seiner zweiten Inkarnation zu einer dunkleren und komplizierteren Mission, auch wenn alles auf moralisch saubere Weise gelöst wird, was im Widerspruch zur gewinnenden Ambivalenz der ersten Stunde oder so steht. Die letzten Momente fordern unverhohlen einen weiteren Teil heraus, aber wenn man den Einfallsreichtum dieses Teils bedenkt, warum nicht?

Sobald Sie sich an den unheimlichen Computeranimationsstil des Netflix-Partners DNEG gewöhnt haben – er ist sowohl zu mechanisch als auch zu flüssig –, gibt es in dieser abendfüllenden Version der Kult-Graphic Novel über den schwulen Ritter Ballister Boldheart (gesprochen von Riz) jede Menge zu genießen Ahmed) und die mutige jugendliche Gestaltwandlerin Nimona (gesprochen von Chloë Grace Moretz). Die Charaktere und ihre Mission, Ballister vom Mord an der Königin zu befreien, indem sie den wahren Attentäter aufspüren, wecken nicht ganz so konsequent Interesse wie die Welt, in der sich alles abspielt: eine clevere Verschmelzung mittelalterlicher Fantasy der alten Welt und Wissenschaft des 22. Jahrhunderts. fi voller Laserlanzen und Arthurian-meets-Jetsons-Architektur. Der Humor und die Charakterentwicklung richten sich an 12-Jährige, was nicht unbedingt eine schlechte Sache sein muss; Sie werden die freche Unbekümmertheit von Nimona und die gefühlsbezogenen Herausforderungen darunter sowie das helle, freundliche Kunstdesign zu schätzen wissen, das einen synthetischen amerikanischen Ersatz für Anime bietet. Vor allem soll es die Zuschauer dazu inspirieren, den (deutlich augenschonenderen) Original-Comic von ND Stevenson aufzusuchen und sich weiter in das Universum zu wagen.

Abgesehen von der langwierigen Action-Sequenz, die die Version des vorherigen Teils sowohl in puncto Dauer als auch aufgeblasener Nutzlosigkeit übertrifft, mangelt es diesem sachlichen DTV-Rückblick erfreulich an Anspruchslosigkeit. Der pensionierte Söldner Tyler Rake (Chris Hemsworth, ein Typ, der so aussieht, als würde er „Tyler Rake“ heißen, benutzte einmal einen Rechen als Waffe) kehrt auf Geheiß seines Ex-Söldners „One Last Mission“ zurück ins Spiel. Ehefrau, die ihre Schwester, Nichte und ihren Neffen aus dem georgianischen Gefängnis rettet, in dem sie festgehalten werden. Die angenehme Spannung wird Nostalgiker für Low-Budget-B-Thriller der 90er Jahre ansprechen; Die handgehaltenen Passagen der Schießereien bewegen sich wie Kampfkünste mit stumpfer Gewalt, die Handlung verzögert sich nur geringfügig, als Tyler einige Gefühle mit der entkommenen Frau ausdrücken muss, und der im Ausland geborene Bösewicht ist einer ganz besonderen Bedrohung ausgesetzt. Es scheint, dass jeder einen Bart hat. Mit Ausnahme der großen iranischen Golshifteh Farahani, die als Tylers stahläugige rechte Hand die Leinwand beherrscht. Sie ist gleichzeitig agil und muskulös und leitet die Show, der seltene Fall einer Figur, die tatsächlich ein Spin-off verdient, anstatt dass man ihnen eines aufzwingt. Der klügste Schachzug des Films besteht darin, die Beziehung zwischen ihr und ihrem platonischen Partner Tyler professionell zu halten, einer ungewöhnlichen Dynamik der intergender-Brüderschaft.

Jérémie Rozans aalglattes Raubbild stellt sich die französische Stadt Chartres als Industriestadt vorregiert von der Breuil-Dynastie und ihrer Fabrik am laufenden Band Haute-Parfüm, ein Luxusgut mit himmelhohem willkürlichem Wert, das den Arbeitern wegen ihres eigenen niedrigen Lohns wirklich ins Gesicht reibt. Es war nur eine Frage der Zeit, bis ein schlauer Betreiber wieRetter(Raphaël Quenard) kommt auf die brillante Idee, ein Produkt abzuschöpfen, um es auf dem Schwarzmarkt weiterzuverkaufen. Sein kleines Geschäft weitet sich mit Hilfe seiner Insiderfrau, der beleidigten Personalmanagerin (Agathe Rousselle, zeigt danach eine gewisse ReichweiteTitane, indem er einen normalen Menschen darstellt) ist sich einiger kreativer Buchhaltung bewusst.Ihr Betrug ist ein schlichter antikapitalistischer Kusserfrischend unbeeindruckt von der Illegalität des ProletariatsAktion gegen die bürgerlichen Unterdrücker, aber alles fühlt sich wie ein Vorwand für Schamlosigkeit an Swagjacking von Verbrecherkönigen wie Scorsese, Tarantino, Boyle und dem Rest des Voice-Over- und Montage-freudigen Pantheons der Wohnheimplakate. Nennen Sie es At-Best-OkayFellas.

Das anhaltende Beharren von Netflix auf demDie Sympathie von Adam Devine erzeugtEine weitere Komödie, die im Großen und Ganzen das Gegenteil beweist, indem sie in diesem Fall das aufgeregte Mann-Kind als dummen Beta-Mann besetzt, der ziemlich sicher ist, dass es ihm gehört Die Eltern der Verlobten (Pierce Brosnan und Ellen Barkin, beide rüstig und höflich) planen, die Bank auszurauben, in der er arbeitet. Es dauert nicht lange, bis der Film seinen Verdacht bestätigt, eine kluge Entscheidung mit dem Aufpfropfen von „Happy Madison“-ähnlichen Idioten in Genre-Tropen, die hier weitaus ungeschickter sind als beispielsweise im allgemein angenehmen „Murder Mystery“. Obwohl Michael Rooker einige gute Rollen in der Rolle des Fed spielt, der Mylanta und Alkohol in den Fall treibt, leidet die allgemeine komödiantische Sensibilität unter seiner Verankerung in einer seltsam konservativen Denkweise. (Devines Handlungsbogen, in dem er seine Albernheit zugunsten einer konventionellen Männlichkeit ablegt, nimmt angesichts eines Witzes, der sich zum Beispiel über die Kürzung der Mittel durch die Polizei lustig macht, eine wenig schmeichelhafte Note an.) Brosnan und Barkin bringen die inhärente Leinwandpräsenz mit, die anderswo fehlt, und sie bleiben am meisten verschont peinlicher Dialog. Aber sie können nur bis zu einem gewissen Grad dazu beitragen, ein Konzept zu retten, das zwei Tonmeistern dient und keinem von beiden recht macht.

Als Harry Sally traf … dachte ich vor Jahrzehnten über die Frage nach, ob ein Mann und eine Frau platonische Freunde sein können. Aber weilNora Ephronist fälschlicherweise auf „Nein“ gelandet, romantische Komödien wie diese sind wohlmeinend und mildPhilippinisch Importieren Sie weiterhin das Kinn darüber. Charlie (Lovi Poe) und Kurt (Carlo Aquino) sagen, sie seien nur Freunde, doch als sie ihm per App dabei hilft, seine scheinbare Traumfrau (Sarah Edwards) zu finden, wird ihr aufgrund ihrer Eifersucht klar, dass sie an diesem Abend vielleicht noch nicht vorbei sein wird Vor all diesen Jahren.Ihre Bemühungen, ihr eigenes Matchmaking rückgängig zu machen – ein weiterer SeitenhiebCyrano de Bergerac soll algorithmisch daneben sitzen „The Half of It“ – bringt ihre schlimmste Seite mehr zum Vorschein, als der Film zu erkennen scheint, und schickt sie an entfremdende und egoistische Orte, während sie plant, das Gute zu zerstören, das dieser Mann, der ihr angeblich am Herzen liegt, am Leben hat. Und Regisseur Easy Ferrer schneidet mit Humor nicht viel besser ab als mit Charakterisierung.Seine ausgelassenen Witze sind nicht frischer als die Willens-sie-nicht-sie-Spannung, die als Überbleibsel seiner Besserwisser wieder aufgeheizt wird.

Es spiegelt den Charakter eines Mannes nicht besonders gut wider, wenn er den Spitznamen „Mr. Auto“, weil es für ihn das Besondere ist, ein aufgemotztes Fahrzeug zu besitzen. Und doch ist genau das beim Helden des Pan Samochodzik der FallBücher (hier dargestellt vom kantigen Mateusz Janicki) – er hieltPolnische Leser waren in den 60er und 70er Jahren von ihm begeistertWagemutige Heldentaten auf der Jagd und die Sicherung unbezahlbarer Artefakte für Warschaus prestigeträchtigstes Museum. Der Vergleich mit Indiana Jones muss geradezu gezogen werden, ein wenig schmeichelhafter Bezugsrahmen für Janickis generische Sicht auf Mr. Car, da er häufig von seinen Kumpels in den Schatten gestellt wird: der radikalen Feministin Squirrel (Kalina Kowalczuk) und dem verrückten Wissenschaftler Mentor (Piotr Sega). Ihre Mission, ein unschätzbares Relikt aus dem Mittelalter der Christenheit zu bergen, erfordert auch kein aufrichtiges Interesse an Sozialwissenschaften, das mit National Treasure vergleichbar ist, eine Gleichgültigkeit gegenüber der Geschichte, die sich auch auf das schlampige Produktionsdesign der 70er-Jahre erstreckt. Es macht keinen Sinn, ein beliebtes literarisches Werk zu lizenzieren, nur um all seine charakteristischen Merkmale abzuschleifen.

Die letztjährige in der Türkei produzierte Liebeskomödie, in der zwei selbsternannte Beziehungsexperten gegeneinander antreten, verdient Anerkennung für eine Fortsetzung, die eher organisch als vorgegeben wirkt. Der letzte Teil endete damit, dass Asli (Demet Özdemir) und Kerem (Sükrü Özyildiz) zusammenkamen, und so zieht ihre nächste Folge natürlich eine Bilanz der Hindernisse, die nach dem Happy End warten. Sie äußert ein verständliches Unbehagen über die Aussicht auf eine Heirat, als er einen Schritt zu weit geht, indem er dem ganzen Unternehmen abschwört, und damit gehen die Spiele wieder weiter, während sie versucht, ihren Mann wieder in die Falle zu locken. Ihr gutmütiges Spielgeschick unterscheidet sie von den meisten aufdringlichen Liebesvögelndie das Date-Night-Angebot von Netflix bevölkerneine erfrischende Abwechslung in ihrer Bereitschaft, sich etwas schlechter zu benehmen. Wenn überhaupt, könnte der Film ihren Konflikt etwas weniger ernst nehmen; Der Grundgedanke ist, dass das alles nur Spaß macht, gestützt durch Aslis Selbstvertrauen, dass sie weiß, dass sie bindungsscheu ist boo besser, als er es selbst weiß. Spiele zu spielen ist für sie normal.

Es ist wie ein GenerationenwechselTürkische Variante von „The Parent Trap“: Ein Paar aufdringlichOmas (Yildiz Kültür und Zerrin Sümer, deren komische Beziehung die Sprachbarriere überschreitet) täuschenihre erwachsenen Enkelkinder (das umwerfend attraktive Paar Ekin Koç und Ayça Aysin Turan) in ihre Heimatstadt zurückkehren, in der Hoffnung, dort die Flamme wieder zu entfachen, die erloschen ist, als sie verliebte Teenager waren. Während unsere Freundin Sahra Deniz für ein Magazin-Feature-Interview verfolgt, das etwas mehr sein könnte, hält sich das Drehbuch strikt an die Rom-Com-Konventionen, die weit über den Klischeeansatz hinausgehen, auch wenn bei der Umsetzung alles darauf ausgerichtet ist, pures und leichtes Vergnügen zu vermitteln. Die Erfindungen, die die Liebenden unaufhaltsam einander näher bringen, verdoppeln ihre Aufmerksamkeit, anstatt nach Realismus zu greifen und lächelnd und zwinkernd durch Verwechslungen zu scheitern, die sie ganz zufällig zu Verabredungen entlang der hinreißenden Mittelmeerküste führen.Aber der größte Vorzug des Films ist die Leuchtkraft, die von Koç und Turan ausgeht, die scheinbar Halbgötter sind, die unter den Sterblichen wandeln.

Die ersten Minuten dieser flauschigen Liebeskomödie, die von Gabrielle Union produziert wurde und in der sie die Hauptrolle spielt, kündigen eine unauffällige Genre-Kleinigkeit an: eine scheinbar perfekte Beziehung mit dem Falschen, einen Nervenzusammenbruch, der unsere Freundin Jenna (Union) zurück auf das Wesentliche schickt, und einen Job im Modegeschäft zu glamourös und leicht zu erwerben, um real zu sein. Innerhalb der Grenzen ihres nicht so scharfen Hakens schlägt die etwa 40-jährige Jenna mit einem dankbaren 20-Jährigen (Keith Powers) auf die Hüften, der in ihrer Abteilung arbeitet und zufällig der Sohn ihres Chefs ist! – Der Film weist eine Handvoll einzigartiger kleinerer Tugenden auf, von denen viele auf Tia Williams‘ gefeierten Quellenroman zurückzuführen sind. Das Paar verbindet sich über ihre Wertschätzung für die bahnbrechende schwarze Filmstarin Nina Mae McKinney in einem Moment, der ein wenig wie eine Geschichtsstunde wirkt, aber ihre größte Stärke ist eine gegenseitige Würde, die in so vielen Einträgen in einem Genre fehlt, das übermäßig auf bequeme Dummheit und Bequemlichkeit steht grundlose Demütigung. Es reicht aus, nur zuzusehen, wie zwei anständige Menschen sich ineinander verlieben, und ein Bonus, wenn das Ergebnis nicht so einfach ist.

Sarah Snook, die Favoritin der Thronfolge, schlüpft in ihren australischen Muttersprachakzent zurück und liefert einen mittelmäßigen Albtraum, der versucht, dem knorrigen, ausgetrockneten Stammbaum-Subgenre des Horrors Blut zu vergießen. Diese große, fette Trauma-Metapher erinnert mit ihrer steifen Ästhetik, dem Zusammenbruch der Mutter-Kind-Beziehungsdynamik und den gruseligen Kinder-Kunsthandwerksmasken an den österreichischen Blutgerinnsel „Goodnight Mommy“ und kommt in Gang, als die Fruchtbarkeitsärztin Sarah (Snook) ihre Tochter Mia hört ( Lily LaTorre), die sich selbst als Alice bezeichnet, was genau der gleiche Name wie Sarahs Schwester ist, die vor all den Jahren verschwunden ist. Dass das Mädchen nicht einfach verschwunden ist, ist völlig offensichtlich, lange bevor das Drehbuch seine enttäuschende Wendung bringt, eine schriftstellerische Fummelei, die im Einklang mit der Abhängigkeit von erzählerischen (und in den vielen Fällen von schlaffen Sprungängsten auch visuellen) Klischees im Rest des Films steht Film. Snook wirkt hinreichend gehetzt und drängt sich durch dunklere Kanäle zu ihren bewährten emotionalen Extremen, doch die funktionale, unauffällige Regie von Daina Reid macht ihr einen Strich durch die Rechnung.

Der dänische Sänger Christopher Lund Nissen (den Fans auch als Christopher bekannt) hat ein kräftiges Bauernkiefer, einen Schopf flachsblonden Haares und sanfte Augen, die die lasziven Anspielungen von Melodien wie „CPH Girls“ und „Twerk It Like Miley“ Lügen strafen .“ Es war unvermeidlich, dass ein unternehmungslustiger Produzent ihn ansah und einen Filmstar sah, aber diese schwache Plattform für sein vermeintliches Charisma und seinen tatsächlichen musikalischen Scharfsinn wird viele Neubekehrte nicht überzeugen. Er strahlt jedes Mal, wenn er ein Mikrofon in die Hand nimmt, und lässt viel Zeit für eine formelhafte Pop-Ursprungsgeschichte, die die Grenzen von Christophers Fähigkeiten als Schauspieler aufzeigt. Die vorgefertigten Dialoge, die unlogischen Handlungsstränge und der abgestandene Handlungsbogen, der über Nacht berühmt wird, tun ihm keinen Gefallen und unterstreichen die Falschheit der Zeilenlesungen von jemandem, der sich mit den lebhaften Koans der Lyrik besser auskennt als mit echten menschlichen Sätzen. Ein Höhepunkt, der sich um die plötzliche Schwangerschaft seines romantischen Gegenübers (Inga Ibsdotter Lilleaas) dreht, bringt Christophers Torheit auf den Punkt, als er versucht, die Leiter zur nächsten Ruhmesstufe zu erklimmen, indem er seine Fähigkeit, Gefühle auszudrücken, überstrapaziert und gleichzeitig seinen Egoismus ausspielt, indem er den Moment mit einem Mais vertont -Siruplied, das er seiner echten Frau schrieb, weil sie sein Baby bekommen hatte.

Wie eines dieser Genies aus dem Silicon Valley, die verkünden, dass sie das Fahren mit dem Bus erfunden haben, hat Merve (Ahsen Eroglu) eine große Idee, um ihr zwangsversteigertes Zuhause zu retten: eine Dating-Seite, die nicht für Kontakte, sondern – verstehen Sie – für ernsthafte Beziehungen gedacht ist Die Integrität dieser Verbindungen wird durch das Tragen einer Gesichtsmaske gewährleistet. Cemal Alpans funkelnde türkische Liebeskomödie setzt im Wesentlichen die neueste Werbekampagne von match.com in Spielfilmform um und findet mehr Spannung in den Höhen und Tiefen der Start-up-Kultur als in Liebesromanen unter Erwachsenen. Ein Investor (Ozun Dolunay) sieht Dollarzeichen in Merves Plattform – die trotz eines offensichtlichen Mangels an technischem Know-how entworfen und auf den Markt gebracht wurde, einer von vielen beiseite gewischten Fällen halbherzigen Schreibens – und kauft sich mit seinen anfänglichen Bemühungen ein sie auf ungeschickteste Weise aus ihrer eigenen Gesellschaft zu verdrängen und in gegenseitige Anziehung zu verfallen. Die Enthüllung seiner Hintergedanken macht nicht mehr Sinn als der Rest der Unplausibilitäten hier, eine Geschichte über menschliche Beziehungen, die scheinbar ohne jegliche Vertrautheit mit der Spezies geschrieben wurde.

Hier ist nun die seltene Netflix-Import-Rom-Com – eine Genreklassifizierung mit einer niedrigen Decke und einem viel, viel niedrigeren Stockwerk –, die es schafft, in ihrer Inkompetenz lustig und verwirrend zu sein, völlig losgelöst von der Realität, weniger in ihrem Festhalten an filmischen Erfindungen als vielmehr in Es ist Verwirrung darüber, wie Liebe funktioniert. Charaktere in Filmen wie diesem verhalten sich ein wenig verrückt, weil sie es müssen – das ist nicht das wirkliche Leben –, aber Mae (Miles Ocampo) und Norman (Kelvin Miranda) sind vielleicht nicht von dieser Erde. Als er ihrem Online-T-Shirt-Händler technische Back-End-Unterstützung anbietet, kommen sie zunächst zusammen, doch durch bizarre Rituale schweißen sie zusammen, indem sie sich gegenseitig einen amtlichen Ausweis zeigen, um Vertrauen aufzubauen, und wenn sie tief an seinen Haaren schnuppert, wenn er danach eingeschlafen ist eine lange Nacht des Codierens. Ihr abweichendes Verhalten passt dennoch in das lahmste Schema von allen: Eine vollkommen hübsche Frau verkleidet sich eher konventionell mädchenhaft, um mit einem Glamour-Babe zu konkurrieren, und bekräftigt die unsterbliche Lektion, dass Jungen erst dann bemerken werden, was für ein großartiger Mensch Sie sind, wenn Sie es sind heiß.

Diese Fortsetzung bietet all die auf Tomaten basierenden Unternehmensintrigen, die die vermutlich bestehenden Fans dieser jungen Serie erwartet haben, und folgt dem Obst- und Gemüsehändler Teto (Danilo Mesquita), der darüber nachdenkt, es mit einem Hai von Partner (Roney Villela) aufzunehmen. Aber Regisseur Bruno Garotti kann sich nicht ganz entscheiden, ob er sich mehr für den Ruf von Tetos Gemüseimperium interessiert oder für seine sich verschlechternde Beziehung zu seiner Fernfreundin (Giovanna Lancelloti), die Gefallen daran findet, dass der edle, selbstlose Arzt (Adanilo Reis) ihm hilft Sie behandelt die Bewohner des Amazonas. Dieser Mangel an Konzentration wird nur noch schlimmer, wenn sich die Nebenhandlungen häufen, einschließlich Tetos Weg der Selbstverbesserung, der hauptsächlich darin besteht, dass er „erdig“ wird, indem er einen einzigen Nachmittag mit einigen indigenen Völkern verbringt, die ihn aus unbekannten Gründen nicht verabscheuen. Er findet Gefallen an einem hübschen einheimischen Mädchen (Kay Sara), das wegen ihrer Einfachheit und Unschuld herablassend geschätzt wird, was zu dem seltenen Szenario führt, dass ein Protagonist es verdient, in einer mühsam aufgebauten Dreiecksbeziehung mit keinem Punkt zu enden.

Etwas ist faul in der abgelegenen japanischen Landstadt, die Yu Katayama (der schneidige Ryusei Yokohama) sein Zuhause nennt, und nicht nur in der Abfallentsorgungsanlage, wo er seinen Lebensunterhalt mit der Kondensation von Müll verdient. Er wird ständig von seinen Kollegen misshandelt, kann wegen der Spielschulden seiner Mutter nicht gehen und hat so gut wie keine Freunde – bis der hübsche Misaki (Haru Kuroki) aus Tokio zurückkehrt und die unwillkommene Aufmerksamkeit von Yus Tyrann-Rivale Toru (Wataru Ichinose) auf sich zieht ). Regisseur Michihito Fujii arbeitet in einem elliptischen Stil, der den Zuschauer dazu herausfordert, die Zusammenhänge zu verstehen. Manchmal stellt er das einfache Verständnis auf die Probe, ist aber letztendlich lohnender, da er auf benommene Art und Weise in den erschütternden, traumhaften Höhepunkt übergeht. Die poröse Natur des Filmemachens ermöglicht es, dass Ideen ungehindert in den Fokus und aus dem Fokus geraten können; Fragen nach Anonymität, Gerechtigkeit, Umweltschutz, Tradition versus Moderne und Generationsschicksal, Antworten, zufrieden damit, einen Film ein paar Nuancen undurchsichtiger als der Netflix-Standard zu schmoren. Yokohama verankert die spacige Atmosphäre mit einer Darbietung, die durch ein Melodram, das sich mehr der emotionalen als der sequenziellen Logik verschrieben hat, Wegweiser bietet, wobei seine ausdrucksstarken Reaktionen eine ganz eigene, unausgesprochene Sprache hervorbringen.

Hollywood hat „What to Expect When You're Expecting“ verfilmt, daher ist es nur fair, dass die Niederländer die gleiche Chance erhalten, ihren Standard-Schwangerschaftsratgeber zu erzählen und ähnlich mittelmäßige Ergebnisse zu erzielen. Eine Gruppe von Paaren, die auf dem Weg zur Elternschaft sind, verkörpert die Vielfalt der Hürden, denen sich hoffnungsvolle Zeuger gegenübersehen: Workaholics, die Schwierigkeiten haben, ihre Karriere mit ihren neuen Aufgaben in Einklang zu bringen, Lesben, die dem Wunsch ihres Samenspenders nachkommen, ein größerer Teil des Lebens seiner genetischen Nachkommen zu sein, eine überhebliche Mutter -Gesetz zwingt ihrem Enkel die marokkanische Tradition auf. (Bedauerlicherweise gibt es im letzten Teil viele rassistische Beschneidungswitze.) Wie bei seinem amerikanischen Gegenstück sind die Perlen der Weisheit, die der Film zu liefern behauptet, nicht gerade aufschlussreich und betonen die Bedeutung von Qualitäten wie Ehrlichkeit, Geduld und Aufgeschlossenheit bei der Kindererziehung die allwissende Didaktik einer Mama-und-ich-Klassenlehrerin. Da der vereinfachte Text nicht in der Lage ist, einen grundlegenden Standard an emotionalem Realismus zu erfüllen, wirken alle Ratschläge einfach und theoretisch, wodurch Softball-Szenarien entstehen, die sich so leicht lösen lassen wie ein Windelwechsel.

Als namenlose, beispiellose Söldnerin, die durch die Mission, ihre Tochter zu retten, aus dem Ruhestand gelockt wurde, ist Jennifer Lopez eine Mutter in einem weniger umgangssprachlichen Sinne als sonst in diesem Potboiler, der durch ihre rohe Anziehungskraft gesteigert wird. Gael García Bernal hat Spaß daran, als Verbrecherboss die Jungen dieser wilden Bärenmutter ins Visier zu nehmen, und Regisseurin Niki Caro zeigt starke Grundlagen darin, Action unter dem visuellen Dreck des Netflix-Hausstils zu orchestrieren, aber es ist Lopez, der hier die Show leitet. Abgesehen vom körperlichen Aspekt – diese Frau ist scheinbar immun gegen den Zahn der Zeit – hat sie die einzigartige Fähigkeit eines Filmstars, uns mit all ihren Gefühlen in ihren Bann zu ziehen. Während sie breite, ausgetretene Charakterschläge in einem Register spielt, das sich ihrer Filmhaftigkeit nur ein wenig bewusst ist, tut sie dies mit einer solchen Überzeugung, dass der Zuschauer ihre Triumphe bejubelt und ihre Kämpfe betrauert. Von irgendjemand anderem würde der geradlinige Text darüber, dass Mutterschaft ein schlummerndes Potenzial freisetzt, das ausreicht, um ein Auto hochzuheben, albern klingen. Lopez lässt uns es glauben.

Die Schauspielerin und Regisseurin Megalyn Echikunwoke fasst in einer der seltenen Kurzveröffentlichungen mit Netflix-Front viel Schmerz in 20 Minuten zusammen. Gemina (Alexis Louder) erzählt ihrem Arzt, dass sich während der Geburt etwas nicht richtig anfühlt, doch ihre Beschwerde bleibt ungehört und die Krankheit führt zu einer Fehlgeburt. Dieses traumatische Ereignis verfolgt sie in Form einer verhüllten Gestalt, die sadistische Gewalttaten begeht – eine Metapher, die in der letzten Minute als eine Wendung zerlegt wird, die ihre Bedeutung bis zur Unverschämtheit wörtlich nimmt. So überaus richtig Echikunwokes Argument, dass die Stimmen schwarzer Frauen vom medizinischen Establishment ignoriert werden, auch sein mag, sie schlägt uns damit auf den Kopf wie das gesichtslose Gespenst, das Gemina brutal behandelt.

Von den vielen, vielen „Eat Pray Love“-Nachahmungen, die es in der Netflix-Bibliothek gibt, setzt keiner seine exotisierte Perspektive so geschickt in Text um wie diese Liebeskomödie, die unsere eigensinnige weiße Frau auf eine Selbstfindungsreise nach Vietnam schickt. Amanda (Rachael Leigh Cook von Josie and the Pussycats) kommt als Vertreterin eines amerikanischen Tourismusunternehmens ins Land, das sich bald in Hanoi niederlassen wird, mit der Aufgabe, die lokale Schönheit in sich aufzunehmen und ihre Attraktivität für den weißen amerikanischen Markt neu zu verpacken. Aber Drehbuchautorin Eirene Tran Donohue schöpft keine Satire aus Amandas transformativer Affäre mit einem ortsansässigen Adonis (Scott Ly). Ihre Bemühungen konzentrieren sich stattdessen darauf, ein rosigeres Bild von Vietnam zu vermitteln, das nicht von der tragischen Schwere des Krieges getrübt ist. Amanda und ihr Freund tummeln sich an einigen hinreißenden Orten, aber die natürliche Pracht ist etwas weniger einladend, wenn sie uns so offen präsentiert wird.

Bei einigen Filmen können Sie das Pitch-Meeting hören, während Sie sie ansehen. Im Fall dieser doppelt konzeptionellen Komödie wandert der Geist zu dem Bild eines Drehbuchautors, der einem Raum voller Netflix-Manager mit starkem schwedischen Akzent erklärt: „Es ist Murmeltiertag trifft auf 13, es geht auf 30!“ In weniger als zehn Worten verstehen wir perfekt die Geschichte einer heruntergekommenen 40-Jährigen, die auf magische Weise zurückgeschickt wird, um ihre glorreichen Tage noch einmal zu erleben – oder besser gesagt, einen glorreichen Tag im Besonderen, als sie immer wieder in ihrem jugendlichen Körper aufwacht (gespielt von Hedda Stiernstedt) an ihrem 18. Geburtstag, bis sie eine wertvolle Lektion lernt – allerdings geht es dabei weniger darum, ein anständiges Leben zu führen, als vielmehr darum, den eigenen Gaydar zu verfeinern. Zumindest dieses Mal bekommen wir einen Soundtrack voller früher Nostalgie-Stücke, die mit einer gelungenen Mischung aus ironischer Distanz und echter Zuneigung ausgestattet sind – von Nellys „Hot in Herre“ über Avril Lavignes „Sk8er Boi“ bis hin zum Coup de Grâce. „Teenage Dirtbag“ von Wheatus. Wenn nur die zeitgeistgezielten Witze über CD-Player und Haargel lustiger wären.

Letztes Jahr erzählte der erste Royalteen eine süße Liebesgeschichte zwischen dem neuen Mädchen in der Schule und dem norwegischen Prinzen in ihrer Klasse – sehr zum Leidwesen seiner hochnäsigen, ängstlichen Schwester. In dieser Spin-off-Fortsetzung übernimmt die zuvor verachtete Margrethe (Elli Rhiannon Müller Osborne) die Rolle der Protagonistin, und das gröbere Profil ihrer Figur drängt dieses unwahrscheinliche Franchise in ein düstereres Terrain mit positiven Ergebnissen. Anstelle von Schwärmereien muss sie sich um Erpressung sorgen: Ein Typ aus ihrer Klasse hat ein Video aufgenommen, in dem die Prinzessin dem Gruppenzwang erliegt und Kokain schimpft, und zwingt sie dann, mit ihm auszugehen, als Gegenleistung dafür, dass sie es nicht preisgibt. Wo sich der letzte Film dem königlichen Privileg näherte, als eine ehrgeizige, eskapistische Fantasie zum Leben erweckt wurde, lässt dieser diese Prämisse wieder auf den Boden fallen und konzentriert sich stattdessen auf die Verletzungen der Privatsphäre und die obligatorische Bildverwaltung, die mit der Blutlinie einhergehen. Selbst in dieser raffinierten Jugendumgebung fühlt sich das Drama real an, was die erzwungenen Erfindungen des Dialogs nur noch verstärkt.

Die Hoffnung für die Post-RRR-Welt bestand darin, dass das allgemeine Publikum im Westen eine neue Aufgeschlossenheit gegenüber dem indischen Kino entwickeln würde – Aufmerksamkeit, die in diesem Tollywood-Polizistenfilm, der sowohl detailorientiert ist als auch seinen Fokus auf Büropolitik legt, gut angelegt wäre und im Großen und Ganzen unterhaltsam. Inmitten der ballistischen Schießereien, des albernen Humors und der gelegentlichen Musikeinlagen wirft der Autor und Regisseur Ramesh Kaduri einen außergewöhnlich zynischen Blick auf die Strafverfolgung in der Region Telangana – hier dargestellt als Jauchegrube der Korruption, die so verachtenswert ist, dass sie nur von einem Polizisten geleert werden kann trotz seiner selbst. Arjun (Kiran Abbavaram, stämmig und doch flink) wurde von seinem Vater in ein Familienunternehmen gestoßen, das ihm nie gefiel. Er sah, wie er von korrupten Vorgesetzten zermalmt wurde, und er trägt diesen Groll mit sich, während er gegen die innere Fäulnis ankämpft, die eine ebenso dringende Bedrohung für die Öffentlichkeit darstellt Wohlfahrt als Drogenhandel. Die eintönige Kinematographie muss etwas aufgepeppt werden, aber insgesamt verfügt der Film über die nötige Feuerkraft.

Eine Laufzeit von drei Stunden und zehn Minuten lässt ein gewisses Maß an Ehrgeiz erkennen. Wenn ein Filmemacher so viel Zeit damit verbringt, uns die Ohren zuzudrehen, hat er vermutlich etwas zu sagen. Autor und Regisseur Luis Estrada strebt in diesem satirischen Blick auf das mexikanische Landleben einen Kommentar zur Lage der Nation an und trifft dabei die großen Stereotypen – Latinos als verliebte, aufbrausende Tequila-Schläger – direkt. Aber wo der algorithmische Präzedenzfall „Die Hand Gottes“ es Paolo Sorrentino ermöglichte, das ausgelassene Zusammentreffen einer Familie als Befragung und Kritik des Konzepts des italienischen Charakters zu nutzen, lacht Estrada meist locker – als würde er auf all diese provinziellen Schimpfwörter zeigen und uns einladen um eine Ladung Eitel zu bekommen. Der derbste Humor zeichnet ein wenig schmeichelhaftes Bild der lokalen Kultur, das Estrada nie komplizierter macht – bis zu dem Punkt, dass er implizit die Gesten der Ignoranz und Vorurteile an den Tag legt, von denen er uns glauben machen will, dass er sie verspottet. (Der einsame Trans-Charakter trägt die Hauptlast davon – die Anti-Kirsche obendrauf, was auch immer das Gegenteil eines Eisbechers ist.)

„Blood Red Sky“ – Sie wissen schon, der Film, in dem Terroristen versuchen, ein Flugzeug voller Vampire zu kapern – schneidet Regisseur Peter Thorwarth in seinem neuesten Genre-Piss-Take viel besser ab, dieser ist eine respektlose Anspielung auf die Nazi-Ausbeutung der 70er Jahre und Meister wie Sergio Leone und John Huston, dessen Genie zunächst in das Genre eindrang. Diese Retro-Gänseblümchen haben eine theatralische Schurkerei an sich, die am deutlichsten in „Totenkopfmeister von Starnfeld“ (Alexander Scheer) zum Ausdruck kommt, dessen halbes Gesicht von einer Maske bedeckt ist, die ein wenig an das Phantom der Oper und ein wenig an Jack Huston in „Boardwalk Empire“ erinnert. Sie liefern sich ein Rennen gegen einen Überläufer (Robert Maaser) auf der Suche nach einem versteckten Goldbarren-Cache, ein fieses Gerangel, das von Eigennutz auf allen Seiten angeheizt wird und das verhärtete Weltbild von Filmen wie diesem widerspiegelt. Aufgrund der Inglourious Basterds und ihrer unehelichen Abkömmlinge kennen wir diesen Typus nur allzu gut, aber Thorwarth zeichnet sich durch seine Bereitschaft aus, völlig unauffällig zu sein und technische Präzision gegen rohe, zahnbrechende Feuerkraft einzutauschen.

„Big Mouth“ vollzieht einen tückischen klanglichen Drahtseilakt und balanciert seinen beunruhigend offenen Blick auf die Sexualität von Jugendlichen mit einer ernsthaften Wertschätzung für all das emotionale Gepäck, das damit einhergeht; Diese deutsche Sexkomödie veranschaulicht auf hilfreiche Weise, was passiert, wenn das Schreiben zu diesem Thema ohne ein Sicherheitsnetz, das es auffängt, aus der Bahn gerät. Granz Henman gibt Rumäniens bösem Oh, Ramona! (meiner Meinung nach der schlechteste Netflick von allen) ein Rennen um sein Geld mit einer stöhnenden Prämisse, in dem zwei Teenager-Loser (Tobias Schafer und Cosima Henman) vom Blitz getroffen und mit der Fähigkeit erfüllt werden, ihre Genitalien sprechen zu hören. Und das auf ziemlich unhöfliche Weise, darf ich hinzufügen! Der breite, grobe, gnadenlos unlustige Text verfügt nicht einmal über die rettende Gnade einer siegreichen Sentimentalität gegenüber der zarten, zaghaften Magie jener frühen Jahre. Es ist nur eine schmunzelnde Belustigung darüber, wie unwürdig es ist, diese widerspenstigen, unverbesserlichen Geschlechtsteile zu haben. Selten habe ich den Wunsch, einen Film so sehr abzubrechen, so sehr gewollt.

Dieses gut gemeinte queere polnische Melodram versucht, die Qualen und Ekstasen des Geschlechts einzufangen, drückt dabei aber mehr heiße Knöpfe, als es verantworten kann. Wir lernen Tosia (Alin Szewczyk) kennen, eine junge Frau, die selbsteingefügte Fanfiction mit einem männlichen Avatar schreibt, wenn sie nicht gerade damit beschäftigt ist, gefühllose Klischees über Transidentität und Selbstverletzung zu bekräftigen. Sie findet einen Verwandten in Leon (John Cieciara), dem Neuankömmling in der Schule mit einem verwegenen Lächeln und einem unkonventionellen Verhältnis zur Männlichkeit. Das Drehbuch liebt diese Charaktere, ohne jedoch zu wissen, wie ihr Innenleben funktioniert. Eines Morgens wacht Tosia einfach und abrupt als Transsexuelle auf, identifiziert sich als Tosiek und entfacht eine Romanze mit Leon, obwohl ihr kaum eine erzählerische Spur zugrunde liegt. Die Erfindungen des Schreibens wirken zusammen als eine größere Unaufrichtigkeit, die im Umgang mit solch sensiblen Themen fatal ist. Dieser Film ist zwar nicht ganz so ungeheuerlich wie „Girl“ von Lukas Dhont, unterliegt aber in seiner unverdienten Anhäufung von Empathie sanfteren Mängeln.

Der Chupacabra wird in Mexiko als Nachtpirscher gefürchtet, der sich vom Blut von Ziegen und anderem Vieh ernährt. Er hat einen schlechten Ruf, aber Regisseur Jonas Cuarón möchte die Sache klarstellen. Diese familienfreundliche moderne Fabel entlarvt das Fabelwesen weitaus kuscheliger, als wir erwarten würden, eine etwas räudige, aber liebenswerte Mischung aus Welpe und Hase mit einem Temperament, das sanft genug ist, um sich mit dem einsamen 13-jährigen Alex (Evan Whitten) anzufreunden. Ihre sich vertiefende Bindung macht dies zu einem südlich der Grenze liegenden Gegenstück zu The Water Horse: Legend of the Deep, einem Abenteuer aus der Kinderperspektive in der Tradition von ET, einem weiteren fantasievollen Riff über den Jungen -und-sein-Hund-Geschichte. Die einzelnen Komponenten in diesem bekannten Schaltplan sind von höherer Qualität als üblich; Der immer großartige Demián Bichir brilliert als Alex‘ ehemaliger Luchador-Großvater, Christian Slater hat seinen Spaß als der obligatorische Wissenschaftler, der unseren tierischen Kumpel jagt, und Cuaróns VFX-Team übertrifft den Netflix-Standard bei der Darstellung des verschwommenen Chupa bei weitem.

Die Netflix-Originalserie „The Last Kingdom“ verpackt die tatsächliche Geschichte des 9. Jahrhunderts rund um die Gründung Englands als nächstes „Game of Thrones“ neu, mit all der machiavellistischen Machtübernahme, den schmutzigen Schlachten und dem teuren Produktionsdesign, das der Vergleich impliziert. Dieser abendfüllende Abschluss von fünf Staffeln der Überlieferung wird für jeden undurchdringlich sein, der sich nicht mit dem langen Wirrwarr von Allianzen und Verrat auskennt, aber die aufwändig choreografierten Kampfszenen zwischen mit Schwertern gespickten Armeen können sehr wohl die eher oberflächlichen Bedürfnisse befriedigen von Neuankömmlingen. (Auch wenn diese Zusammenstöße unter dem schlammigen Filter der unterbeleuchteten Entsättigung fotografiert wurden, der eine TV-Show als seriöses Prestige-Geschäft kennzeichnet.) Als muskulöser Held Uhtred von Bebbanburg gibt Alexander Dreymon die schneidige Figur eines Euro-Action-Stars auf einer kleinen Leinwand ab die Abstammung von Nikolaj Coster-Waldau – erwarten Sie, ihn und seinen kantigen Kiefer in vielen kommenden Netflix-Produktionen zu sehen.

Es ist eine erfrischende Abwechslung, wenn die minderwertige Qualität eines bestimmten Netflix-Films den spezifischen Tenor einer Direct-to-Video-Veröffentlichung aus den 90er Jahren annimmt und uns in eine Zeit zurückversetzt, in der schlechte Filme etwas mehr Charakter hatten. Vor dreißig Jahren wäre in diesem Shoot-Em-up-Film mit harten Kerlen aus Frankreich Jean-Claude Van Damme in der Hauptrolle zu sehen gewesen, doch hier, im Jahr 2023, spielt Alban Lenoir (wobei er seine Macho-Prägnanz aus seiner Zeit als Autor und Star von „Lost Bullet“ wieder aufgreift). (Serie, deren Kameramann Morgan Dalibert bei diesem Film Regie führte) sorgt für einen grunzenden, klumpigen Ersatz. Trotzdem erfüllt die schnörkellose Brutalität den bescheidenen Standard, den sie an sich selbst stellt, und hält das einfache Versprechen einer von Kugeln durchsetzten, Oberschenkel knackenden Action. Übersehen Sie die abgestandene Dynamik zwischen Lenoirs Undercover-Spezialagent Adam Franco und dem ihm anvertrauten Kind des Verbrecherboss, der sich als Gangster ausgibt, und Sie werden ein gekonnt gedrehtes Beispiel für die körperliche Leistungsfähigkeit eines ehemaligen Stuntmans vorfinden, der immer noch im Einsatz ist ganz oben auf seinem Spiel.

Unser Mann Yalin (Kıvanç Tatlıtuğ) zieht mit seiner Frau in eine idyllische Landstadt an der Küste der Ägäis, um sich etwas Ruhe und Erholung zu gönnen, doch es folgt Ärger, der ihn findet. Nachdem er einen Finanzbetrug angeführt hat, der ihn im Wesentlichen zur Antwort der Türkei auf Bernie Madoff gemacht hat, stößt Yalin überall auf glühende Abneigung, seine alten Geschäftspartner wollen seinen Kopf auf einem Tablett haben und die Polizei hat einige Fragen an ihn zu diesem Ladenbesitzer, der … ist vor Kurzem verschwunden. Wir können nur zusehen, wie er sich in dieser teuflisch amüsanten Moralgeschichte immer tiefer in die Verdammnis hineingräbt, wobei jede Fehleinschätzung und jede schlechte Entscheidung noch schlimmer wird, da sie noch mehr tollkühnes Verhalten motiviert. Im Gegensatz zu den meisten schiefgelaufenen Filmen nimmt dieser Film jedoch die falsche Lektion: Die letzte Einstellung versucht, uns den zersetzenden Geldhunger des Protagonisten anzuklagen, indem sie die plumpe Andeutung macht, dass es uns in seinem nicht besser ergangen wäre Position. Auch wenn die letzte Einstellung einen konfusen Versuch darstellt, einem unsympathischen Mann etwas Sympathie entgegenzubringen, reduziert diese Wahl die Einstellung des Films auf einen oberflächlichen, allgemeingültigen Zynismus.

Ich möchte die Geschlechterpolitik Osteuropas nicht in groben Zügen beschreiben, aber die Frauen in den romantischen Komödien auf Netflix haben wirklich etwas Besseres verdient. Dieser ranzige Date-Streifen folgt einem der größten Arschlöcher in den Annalen der Inhaltsbibliothek des Streamers, einem karikaturhaft rücksichtslosen Mann (Mateusz Kościukiewicz), der sein Auto auf dem Weg dreifach parkt, um seiner Freundin mitzuteilen, dass er sie nur als eine Frau ansieht einfacher Kontakt – und das direkt vor ihren Eltern!), dem der Film eine verblüffende Menge an Ehrerbietung entgegenbringt. Die logische Annahme, dass sein Handlungsstrang ihn demütigen und verfeinern und ihm vielleicht ein oder zwei Dinge darüber beibringen wird, wie man ein etwas weniger schrecklicher Mensch ist, wäre fehl am Platz; Unglaublicherweise siegt sein rüpelhafter Chauvinismus letztendlich gegen das Objekt seiner Zuneigung, eine Frau (Zofia Domalik), die zufällig nur wenige Tage von ihrer Hochzeit entfernt ist. Die emotionale Argumentation ist hier bis zu einem absurden Extrem von der Realität abgekoppelt und belohnt all ihre schweinischsten Instinkte.

Was Komödien mit einem breiten magisch-realistischen Konzept angeht, hat zumindest Deniz Yorulmazer einen originellen Haken: Der türkische Seifenopernstar Dilara (Neslihan Atagül Doğulu, eine ziemlich gute Version von Love Island-Breakout Ekin-Su) schlüpft in einem Shampoo-Werbespot buchstäblich in die Rolle Als sie aus der Dusche tritt, stellt sie erstaunt fest, dass sie sich in ihre Rolle verwandelt hat. Plötzlich wird sie mit einem toten Ehemann, einer Kinderschar, die von Natur aus nicht in der Lage ist, still zu sein, und einem Chef, der sich gelegentlich sexuell belästigt, aufgebürdet, und bricht in neue Tiefen der Empathie für die Masse der Frauen vor, die ein Leben in stiller Verzweiflung führen. Geschichten wie diese enthalten in ihrem letzten Akt immer eine Moralisierung, aber was Yorulmazer uns mitnehmen will, ist nicht klar: Könnte es bei Theateraufführungen wirklich um Engagement gehen, dass das Wesen der Aufführung in der Fähigkeit liegt, die gelebte Erfahrung einer erfundenen Person zu verkörpern? ? Wenn das so ist, dann ist das ein esoterischer Punkt, obwohl er auf jeden Fall Recht hat – nicht, dass das in den risikoarmen Karikaturen von Doğulus Kameraden deutlich zu erkennen wäre.

Im Jahr 2022 erlebten Dramen rund um das Thema Essen einen echten Höhepunkt, ein Trend, den Netflix nur einen Moment zu spät aufgegriffen hat, auch wenn die leicht nachlassende Relevanz den Sinnesfreuden dieser filmischen Köstlichkeit aus Thailand kaum Abbruch tut. Der talentierte und unerfahrene Nudelkoch Aoy (Chutimon Chuengcharoensukying) bekommt einen Job unter der Anleitung des tyrannischen Kochs Paul (Nopachai Jayanama), der seine Küche mit missbräuchlicher Edelstahlfaust leitet. Die Schnellkochtopf-Intensität von „The Bear“ harmoniert gut mit dem Klassenkommentar von „The Menu“, der in diesem Fall auf eine nuanciertere Note verfeinert wurde. Anstatt sich über den Anspruch der Haute Cuisine lustig zu machen, geht Regisseur Sitisiri Mongkolsiri der Groteske der Konsumenten nach, deren gefräßiges Essen eine ernste Geste der Respektlosigkeit gegenüber der köstlichen Food-Pornografie ist, die vor die Kamera geschleppt wird. Tun Sie sich selbst einen Gefallen und geben Sie Ihren Lieferauftrag für Pad See Ew auf, bevor Sie auf „Play“ klicken.

Endlich eine romantische Komödie mit echtem Biss: Staszek (Maciej Musiałowski) nimmt an Treffen der Radical Youth Society-Zelle polnischer weißer Nationalisten teil, obwohl er nicht so begeistert davon ist. Er sieht darin vor allem etwas mit seinem ernsthafteren, bigotten Cousin (Borys Szyc) zu tun, eine Ambivalenz, die ihn für den transformativen Einfluss der hübschen linken Pola (Magdalena Mascianica) anfällig macht. Seit den Anfängen des Screwballs funktioniert das Prinzip „Gegensätze ziehen sich an“ am besten, wenn es um die Unterschiede zwischen den Hauptdarstellern wirklich geht und das Drehbuch von Jakub Ruzyllo und Lukasz Sychowicz der polnischen Regierung einige wohlplatzierte Schläge versetzt Faschismus. Aber eine vereinfachte Herangehensweise an die Charakterskizze konterkariert das Streben nach politischer Satire, da Polas Kohorte in vielerlei Hinsicht genauso lächerlich dargestellt wird wie die von Staszek. (An Jojo Rabbit und seine falschen Äquivalenzen erinnert auch eine verschlossene schwule Figur, die an Sam Rockwells #NotAllNazis-Strohmann erinnert.) Auch wenn das Gewissen des Films am richtigen Ort sein mag, gibt es keine Hitze, die die verbotene Anziehungskraft von jenseits des Ganges anheizen könnte. und kein Verständnis dafür, was sie zueinander so unwiderstehlich macht.

Auch wenn diese Horrorkomödie nicht ganz an die exzentrischen Höhepunkte der unterschätzten, tragisch kurzlebigen HBO-Serie „Los Espookys“ heranreicht, so drückt ihr Reiz als spanischsprachiger Gruß an das Makabre, umgesetzt mit einem improvisierten DIY-Schrott, viele derselben Knöpfe. Ein echtes Trio paranormaler Ermittler inspirierte die oft streitsüchtigen Damen von Phenomena: die Medium Gloria (Toni Acosta), die Videofilmerin Paz (Gracia Olayo) und die gläubige Assistentin Sagrario (Belen Rueda), die durch ihre Faszination für alles Spektrale vereint sind und ihr zwanghaftes Kettenrauchen. Sie stoßen auf den größten Fall ihrer Karriere, eine möglicherweise echte Begegnung mit dem Übernatürlichen, die die ohnehin schon fragile Beziehung zwischen diesen Menschen, die einander kaum ausstehen können, bedroht. So amüsant ihre Dynamik auch sein mag, sie passt nicht zu einem Film, der seine Franchising-Absicht nicht scheut, da die Geschichte vermutlich offen bleibt, um zukünftige Fortsetzungen zu ermöglichen. Uns wird ein Bruchteil der Erzählung gegeben, nur um die Vorfreude auf den nächsten Teil zu steigern, ein geschäftlicher Schachzug, der die Kunst dazu zwingt, ihr Publikum mitzunehmen.

Eine weitere algorithmisch genehmigte Roadtrip-Komödie zwischen alternden Kumpels mit Gepäck, das es abzuwälzen gilt, eine weitere Menge milder Ausgelassenheit und Offenbarungen über „What Growing Up Means“. Dieser Film konzentriert sich auf die Weiblichkeit mittleren Alters mit der gleichen entglamourösen Selbstauslöschung wie in „Wine Country“ und verwendet dieselben Archetypen, die zumindest auf „Brautjungfern“ zurückgehen, um es auszudrücken: Wir haben die vernachlässigte Mutter (Alejandra Ambrosi), die Unerfüllte Die Karrieristin (Paola Nunez), die erniedrigte Vorzeigefrau (Martha Higareda) und der unhöfliche Spinner, der auf Bauchlachen aus ist (Valeria Vera), alle im Schlepptau. Ausscheidungswürge, überprüfen. Verrückter Anhalter, check. Zahmes Zwischenspiel des Drogenkonsums, check. Eine Verfolgungsjagd, die viel zu aufwändig ist, um von Amateuren gesteuert zu werden. Dialog über die mangelnde Würde des Älterwerdens als Frau, verstärkt durch einen Film, der sie durch alle möglichen Peinlichkeiten zieht, ein großer Scheck. Wann werden diese lumpigen Oldsploitation-Bilder erkennen, dass es keinen größeren Respekt gegenüber unseren Ältesten gibt, als ihnen gutes Material für die Aufführung zu geben?

Was Vergangenheit ist, ist der Prolog in dieser Spielfilmfortsetzung von „Luther“, der langjährigen britischen Polizeiserie, in der DCI John Luther (Idris Elba, zurück in der Rolle, die erstmals auf seinen echten Actionhelden hindeutete) wieder eingeführt wird.in Worten, die Neulinge leicht verstehen können: Er ist ein zügelloser Polizist am Abgrund, der sich nicht an die Regeln hält, aber verdammt, er erzielt Ergebnisse! Die Vertrautheit der Charaktervorlage ermöglicht es diesem außergewöhnlich fiesen Serienmörder-Thriller, ohne großes Räuspern loszulegen, und es gilt keine Zeit zu verlieren, während ein prahlerischer Psychopath (Andy Serkis) Unschuldige mit lebhaft sadistischen Plänen zur Strecke bringt. Fügen Sie noch eine krasse Gefängnisausbruchsequenz und Cynthia Erivo als Luthers sachliche Partnerin hinzu, und die verschiedenen Freuden verstärken den bescheidenen Reiz eines Kriminalfilms, der nicht die Absicht hat, das Rad neu zu erfinden. Genauso wie die zuverlässige Formel vonLaw & Order: SVU kann eine Quelle beruhigenden Trostes sein, es ist seltsam beruhigend, wie der Regelbrecher Luther sich an die Regeln seines Genres hält.

Unser letzter Ausflug mit dem Amateur-Detektiv-Ehepaar Nick und Audrey Spitz (Adam Sandler und Jennifer Aniston) bot wenig Anlass zur Hoffnung auf eine Fortsetzung: altbackene Gags, langweilige Kinematografie, eine scheinbare gegenseitige Abneigung zwischen den Hauptdarstellern. Was für eine angenehme Überraschung, dass die Folgemaßnahmen in jeder Hinsicht eine deutliche (wenn auch moderate) Verbesserung zeigen sollten. Nick und Audrey hatten wenig Erfolg, als wir sie auf einem dringend benötigten Ausflug nach Paris zur Hochzeit eines Kumpels begleiten, der (natürlich) vor der Zeremonie entführt wird und die Detektive auf eine klassisch Christie-artige Ermittlungsarbeit schickt. Die Stellschrauben an der Handlung wurden angezogen, die Chemie zwischen Sandler und Aniston ist freundschaftlicher geworden und die Crew kam durch die Zeit vor Ort in Frankreich voll auf ihre Kosten. Es ist kein großartiges Kino – es ist nicht einmal gekonnt umgesetzter Pop –, aber es ist eine harmlose Art, anderthalb Stunden totzuschlagen, und ist diese schmackhafte Okayheit nicht der Kern der Netflix-Garantie?

Dieser gnadenlose vietnamesische Thriller von Autorin, Regisseurin und Hauptdarstellerin Veronica Ngô erinnert an die schnellen, billigen und schmutzigen Exploitation-Filme der 70er-Jahre im Schlechten und vor allem im Besseren. Die Charaktere – ein Trio junger Mädchen, die zu Tötungsmaschinen ausgebildet wurden und auf die Schattenseiten des Sexhandels in Ho-Chi-Minh-Stadt losgelassen werden – sind zufällig nur dürftig skizzierte Archetypen, und die Darstellung des Leids, das sie ertragen mussten, ist etwas zu übertrieben Interesse am Gaffen. Wer hat schon Zeit, sich darum zu kümmern, wenn wir damit beschäftigt sind, uns durch die bösartigen, instinktiven Kampfsequenzen, die eine vielseitige Auswahl an Kampfsportdisziplinen elegant miteinander verbinden, um unser Leben zu kämpfen? Eine grelle, schmutzige Farbpalette trägt dazu bei, dass die manchmal prosaischen Erzählszenen vorankommen, und selbst die wackeligere Charakterentwicklung profitiert von einem Geist erfrischender, unverfälschter, gerechtfertigter Wut. Ngôs Haltung, keine Gefangenen zu machen, verleiht diesem außergewöhnlich brutalen Exemplar die Atmosphäre eines Tartan-„Asia Extreme“-Imports aus den frühen 1970er Jahren, wobei Quentin Tarantinos „Kill Bill“ das fehlende Bindeglied zwischen ihnen ist.

Da der Markt von John-Wick-Klonen (ein oder zwei davon von Netflix) überschwemmt wird, ist es einfach eine Erleichterung, einen Film über einen randalierenden Söldner zu sehen, der nicht auf die neue Standardeinstellung von Neon-Humor mit hochgezogenen Augenbrauen zurückfällt und umfangreiche, mit Mord verbundene Mythologisierung. Wenn sie nicht gerade Nachmittagstee mit Freundinnen trinkt oder sich um ihre verschlossene Tochter im Teenageralter kümmert, arbeitet die sanftmütige Mutter Boksoon (Jeon Do-yeon) nebenbei als Söldnerin, die Beste im Geschäft, bis sie ein Auftrag zum Überlaufen anspornt. Die Inkongruenz ihres Doppellebens wird in einer breit angelegten Komödie dargestellt, die eher auf Situationen als auf Witzen basiert, und das Drehbuch nimmt ein aufrichtigeres Interesse an ihrer emotionalen Verfassung; Sie macht sich Sorgen, dass ihre Tochter den Drang zum Töten geerbt hat, und fragt sich, ob ihre Arbeit ihr Privatleben möglicherweise stärker belastet als ihr Zeitmanagement. Abgesehen von der verworrenen Handlung des Films und seinen erzwungenen Wendungen wird Boksoon zu einer Heldin, die unauslöschlich genug ist, um ihre eigene Welle von Nachahmern zu inspirieren.

Amerika hat kein Monopol auf haferflockenweiche, höflich unhöfliche Komödien über und für ältere Menschen, wie dieser mexikanische Streifen beweist, der die üblichen Viagra-Witze ins Spanische übersetzt. Wie wir aus 80 für Brady gelernt haben, mittelmäßigMit Material kann ein Film immer noch ziemlich weit kommen, wenn er von einem entsprechend sehenswerten Star geliefert wird, und Álvaro Guerrero ist genau das Richtige, wie der heruntergekommene ehemalige Radio-DJ genannt wirdUnd das (kurz für Enrique). Er ist gezwungen, Lebensmittel einzupacken, nur um genug Geld zusammenzukratzen, um an einer Jubiläumsgala (zu seinen Ehren) teilzunehmen, bei der er hofft, seinen ehemaligen Co-Moderator und seine verlorene Liebe zu treffen. Er hängt an der Vergangenheit und mit der Zeit wird er erkennen, dass die freundlichen Gesichter überall um ihn herum – der Kassierer (Eduardo Minett), der die obligatorische Ersatzsohnrolle einnimmt, die muntere Kassendame (Andrea Chaparro)kicherte über seine launischen Possen – haben sein Leben so bereichert, wie es ist. Es ist das gleiche Essen zum Mitnehmen wie immer, aber von GuerreroSandpapier-Charmebelebt die ausgetretene Reise zu einem uninspirierten Ziel.

Während Netflix eine vielfältige Auswahl an „Eat Pray Love“-Bastardisierungen zur Auswahl bietet, kommt keine an die tonale Eigenartigkeit dieser deutschen Variante heran – „Essen Beten Lieben“, Ich schätze? – in seiner eigenen seltsamen Dimension. Wir kennen die Situation: Eine angeberische Frau (Naomi Krauss) bricht aus ihrer Panik mit einem Ausflug aus, der ein neues Liebesinteresse und eine neue Perspektive verspricht, in diesem Fall über ein geerbtes Grundstück im steuerfreundlichen Kroatien.Aber jeder Teil des Schaltplans weist eine Fehleinschätzung auf. Unser Mädchen Zey hat eine unglaublich verachtenswerte Familie, deren pathologisches, rücksichtsloses Verhalten ein wenig zu sehr versucht, Mitgefühl bei stillen Müttern und Ehefrauen zu erwecken. Und was den Landsmann betrifft (Goran Bogdan), der ihr Herz zum Schmelzen bringt, wirkt ihr spielerischer Streit auf dem Schulhof eher wie die tatsächliche Feindseligkeit der Unvereinbarkeit, beginnend mit seiner Verspottung von Zey wegen ihrer körperbetonten Shapewear. Drehbuchautoren bedienen sich aggressiv dieser besonderen Fantasie der SelbstverwirklichungJane Ainscough und Alex Kendall verlieren den Kontakt zu der luftigen Atmosphäre, die diese Art des Eskapismus ursprünglich so unwiderstehlich machte.

Der Erfolg der „365 Days“-Filme vom Kaliber „Fifty Shades“ hat die Netflix-Programmierer offensichtlich davon überzeugt, dass der Markt mehr Geschmeidigkeit verlangtStangengegenseitig in die Stadt gehen, eine Nische, die hier ebenso reichlich bedient wird wieuntergeschlechtlichFamilienfrau Nina (Roma Gąsiorowska). Während ihr fleischlich nachlässiger Ehemann auf einer bequemen, einmonatigen Wandertour unterwegs ist, hat sie die Freiheit, ihre Leidenschaften mit der aufmerksamen alten Flamme neu zu entfachenJanek (Maciej Musial), in jeder Hinsicht ein überlegener Alpha-Mann. Es ist nicht schwer zu erkennen, was sie in Mister Perfect sieht, aber ihre angebliche Verbindung auf atomarer Ebene wird nicht durch die lauwarmen Sexszenen bestätigt, die weit hinter dem perversen Erfindungsreichtum von 365 Days zurückbleiben. Darüber hinaus mangelt es den Einsätzen dieser Untreue an emotionaler Bissigkeit, alle Beteiligten verhalten sich mit gefasster Gelassenheit. (Hey, vielleicht ist das nur Europa für dich.) Obwohl RegisseurRobert Wichrowski möchte, dass wir den Rausch spürenungedämmtUm dies zu erreichen, tut er kaum mehr, als zwei telegene Menschen in den gleichen Rahmen zu stellen.

Javier (Álvaro Cervantes) besitzt die Art von Superkraft, die nur in hochkarätigen Liebeskomödien zu finden ist, die nicht so weit von Good Luck Chuck entfernt sind: Als er eine Frau knutscht, hat er sofort eine Vision davon, wie sich ihre Beziehung entwickeln wird. In den meisten Fällen bedeutet dies eine LeidenschaftslosigkeitLiebe-sie-und-verlasse-sie-Behandlung für Interessenten, von denen er weiß, dass sie bis eins nicht klappen werdenfehlerhaftDer Kuss auf die Freundin seines besten Freundes (Silvia Alonso) kündigt eine Zukunft voller Ehe, Kinder und Glück an. Das daraus resultierende Durcheinander schafft es nicht, eine Richtung zu wählen und sich darauf festzulegen, und begeht eine halbherzige Finte in Richtung Komik, rohes Verlangen und gegenseitiges Verständnis, ohne irgendetwas davon in die Tat umzusetzen. Das sehr reale Dilemma, was zu tun ist, wenn einem klar wird, dass man besser zu der Freundin eines Freundes passt, löst sich mit einer Lektion über die Bestimmung unseres eigenen romantischen Schicksals auf, ein Recht, das niemand außerhalb dieser verrückten Prämisse als gefährdet betrachten würde an erster Stelle.

Dieses türkische Mysterium kommt ihm zugute Schon früh stellte er den zutiefst sympathischen Charakter Sadik (Nejat Isler) vor, einen Möchtegern-Privatdetektiv, der von Elliott Gould in „The Long Goodbye“ besessen ist. Wer von uns? Als er den Sohn des Kindermädchens seines Anwalts aufspürt, gerät er in sein eigenes Marlowe-artiges Netz aus Intrigen und Täuschungen, ein verschlungener Weg, der ihn zu Gangstern, Mördern und einer ganzen Reihe von Femmes Fatales führt. Sadiks vielfältige, oft widersprüchliche Beziehungen zu Frauen werden zu einem fesselnderen Fragezeichen als seine Suche nach einer vermissten Person und schildern einen konfliktreichen Mann, der das andere Geschlecht mit einer Mischung aus Anbetung, Verachtung, Zuneigung und Angst betrachtet. In wahrer Chandlerianischer Manier ermöglicht es uns das Verfolgen der vielen Ablenkungsmanöver und Sackgassen der Handlung, an den verwirrenden Auswirkungen von Sadiks kompromittierter Welt teilzuhaben. Der seltene NetflickZielgerichtet über seine Faltung klebt die Landung, nicht ganz gerechtRobert Altmansvergöttertes Beispiel, aber immer noch in der richtigen Zone der existenziellen Drift.

Ein von Familienkram gelangweilter Workaholic entdeckt, dass er die langweiligeren Phasen seiner Zeit überspringen kann, verliert dann aber die Kontrolle über diese Fähigkeit und stellt fest, dass ihm die kleinen, unauffälligen Momente fehlen, die dieses große Abenteuer, das wir Leben nennen, ausmachen. Wenn der Aufbau dieser italienischen Komödie, die von der in Hollywood heimischen Tradition des „Magischen Realismus für Dummies“ geprägt ist, ein wenig wie der des Adam-Sandler-Vehikels „Click“ klingt – vielleicht der nackteste Ausdruck der Angst eines Drehbuchautors mittleren Alters, dass er zu viel Gras raucht, um es zu würdigen das Wachstum seines Kindes – das liegt daran, dass sie ziemlich gleich sind. Anstelle einer verzauberten Fernbedienung springt unser Mann Dante immer wieder ein Jahr voraus, ohne etwas zu tun, und, was noch wichtiger ist, fehlt dem Hauptdarsteller Edoardo Leo die pummelige, aber liebenswerte Jedermann-Qualität, die den Zuschauer dazu bringt, sich um seine Langeweile zu kümmern. Ihm wird klar, wie wertvoll seine Lieben sind, aber die Frage, was sie davon haben, so einen Nichtsmenschen in ihrem Leben zu haben, bleibt unberücksichtigt.

Dieses flauschige Vehikel für Reese Witherspoon und Ashton Kutcher nimmt großzügige Anleihen bei den Rom-Com-Klassikern und kombiniert die geografische Trennungstechnik von „Schlaflos in Seattle“, einen Haustausch aus „The Holiday“, und die platonisch-verleugnende Freundschaftschemie von „Harry und Sally“. … und „About a Boy“ zeigt einen Junggesellen mit Entwicklungsverzögerung und einen frühreifen Jungen, der ihn zum Erwachsenwerden anregt. Aber dieser Mix aus bekannten Tropen wird durch den ungewöhnlichen Witz der Autorin und Regisseurin Aline Brosh McKenna aufgefrischt, der Schöpferin des großartigen Crazy Ex-Girlfriend (dessen Besetzung viele der Nebenrollen dieses Films ausfüllt). Durch abgenutzte Beats, die durch uralte Erfindungen zusammengehalten werden, steigert sich der unbezwingbare Charme der Hauptdarsteller mit Hilfe von Witzen, die sowohl düsterer als auch robuster konstruiert sind, als der durchschnittliche Netflick aufbringen kann, an die Spitze. Es ist alles offensichtlich, aber wie Rom-Com-Akolyth McKenna nur zu gut versteht, kann daraus eine Tugend gemacht werden.

Grüße an Regisseur Eiichiro Hasumi. Gerade als es so aussah, als sei das Leben vollständig aus der Prämisse der Endlosschleife herausgelöst worden, und alle Bastard-Sprösslinge des Murmeltiertags gelangten zu derselben buddhistischen Schlussfolgerung über „Präsenz in der Gegenwart“, gelang es ihm, einen neuen Blickwinkel zu finden die Philosophie aufgeben. Für ihn ist alles ein Spiel, wobei das Konzept des sich wiederholenden Tages symbolisch nicht tiefer geht als ein Reset-Knopf für die acht japanischen Vorschüler, die damit beauftragt sind, die abgetrennten Körperteile eines Kindes zu finden, das Jahrzehnte zuvor ermordet wurde. Das Ensemble verfügt über die ganze Tiefe und Menschlichkeit von Monopoly-Spielsteinen, wobei ihre Bewegung auf dem Spielfeld (verfolgt von einem leeräugigen Geist namens „Rote Person“) ihren Zweck in vollem Umfang erfüllt. Hier gibt es keinen persönlichen Unterton, aber trotz des entfremdenden Mangels an Innerlichkeit in diesem Katz-und-Maus-Albtraum ist Hasumis offensichtliche Faszination für die kalte, harte Mechanik des J-Horrors ein Vergnügen.

Unterhaltsame Tatsache: Werwölfe haben ihre Wurzeln in altnordischen Mythen, wie der Prolog deutlich macht, der Stig Svendsens moosiges Horrorbild eröffnet, in dem eine Gruppe Berserker unabsichtlich einen Lykanthropen in den skandinavischen Wäldern freilässt. In der Gegenwart hat es das Biest auf Thale (Elli Müller Osborne) abgesehen, das neue Mädchen im Vorort Nybo, das lieber ihre Schwärmerei anstarren und der Blamage durch ihre Polizistenmutter Liv (Liv Mjönes) entgehen möchte. Ihre Verwandlung bringt sie in Konflikt mit ihrer Mutter, die scharf auf den Fall ist, was auch immer verstümmelte Leichen in der Stadt zurückgelassen hat, obwohl Svendsen nicht allzu sehr an dieser Konstellation als Metapher dafür interessiert zu sein scheint, wie die Widerspenstigkeit der Adoleszenz die Bindung zwischen Eltern und Eltern auf die Probe stellt Kind. Er nimmt diese Spannung etwas wörtlicher und konzentriert sich stattdessen auf Livs einfacheren inneren Konflikt zwischen ihrer beruflichen Verpflichtung, ihre Gemeinschaft zu schützen, und ihrem mütterlichen Instinkt, ihre Tochter zu beschützen. Der Film zielt darauf ab, die wilde Wut durch ein animalisches Bewusstsein zu strömen, aber seine Leichtigkeit erweckt den Eindruck von Domestikation.

Die lüsterne junge Laras (Shenina Cinnamon) ist wie die Tina Belcher ihrer philippinischen Privatschule und kanalisiert ihre lebhafte erotische Fantasie in Freundschaftsromane, in denen sie David (Emir Mahira) in einer Vielzahl heißer, aber zahm gespielter Fantasy-Szenarien vernichtet. Doch als sie versehentlich ihren Hot-Blogging-Account auf einem Klassencomputer angemeldet lässt, gehen die Folgen über die bloße Demütigung hinaus, da ihre sozial konservative Gemeinschaft über die Schweinereien des Krimiautors empört ist. Was eine einfache Komödie über die Demütigung von Teenagern hätte sein können, strebt nach „Frühlingserwachen“ – angrenzend an einen Kommentar darüber, wie wichtig es ist, Kindern trotz einer repressiven Kultur, die sie dazu zwingt, ihre natürlichen Neigungen zu verleugnen, ihr seltsames, geiles Selbst sein zu lassen. Regisseur Lucky Kuswandi greift den unbeholfenen, klebrigen Humor dieser prägenden Jahre auf und konzentriert sich gleichzeitig darauf, wie er in eine feindselige Welt der Erwachsenen passt, in der streng zensierte moralische Wachsamkeit mehr auf dem Spiel steht als ein wenig Rotgesicht. Wie so vieles wird auch die sexuelle Negativität des Staates als ein weiteres Mittel zur Kontrolle von Frauen entlarvt.

Eine Zeit lang läuft diese Nollywood-Romanze ohne viel Außergewöhnliches ab: Zwei Freundinnen (Nse Ikpe-Etim, Dakore Akande) sind sich nicht bewusst, dass sie beide Nebenjobs der verheirateten Smooth-Operatorin Sunday (Oris Erhuero) spielen. . Regisseur Walter Taylaur denkt nie darüber nach, was für ein Idiot dieser Kerl ist, und nimmt seine egoistische Vorstellung von der Liebe zu drei Frauen für bare Münze, vielleicht als Frühwarnzeichen für die katastrophalen Fehleinschätzungen, die in der zweiten Hälfte des Films auf uns zukommen werden. Das leichtgewichtige Beziehungsgeschäft weicht einem völlig unkalibrierten Melodram, als Sunday sich für seine Frau entscheiden muss. Die Wahl wird durch zwei unverblümt tragische Wendungen in der Handlung unmöglich gemacht, die jegliche emotionale Kohärenz auslöschen, zusammen mit unserer Aufhebung des Unglaubens. Die lebensechte weibliche Kameradschaft zwischen Ikpe-Etim und Akande trägt den Film, bevor er auseinanderfällt, was diese unanmutigen Angriffe auf Pathos nur wie eine noch größere Enttäuschung erscheinen lässt.

Nach dem Tod ihres Vaters begeben sich die entfremdeten erwachsenen Geschwister Gabriela (Ana Serradilla) und Fernando (Mauricio Ochmann) auf einen Roadtrip auf der Suche nach nichts und allem. Diese mexikanische Dramedy, die ihre von Missgeschicken geprägte Odyssee der gegenseitigen Selbstfindung schildert, weist eine erschütternde Diskrepanz zwischen ihrer Geschicklichkeit in der Charaktergestaltung und den modrigen Plattitüden des restlichen Textes auf. Die Hauptdarsteller fangen die komplizierte Dynamik zwischen erwachsenen Brüdern und Schwestern ein, ihre ständigen Streitereien und unergründlichen Insiderwitze sind eine Umgangssprache, mit der sie eine so tiefe und bleibende Liebe zum Ausdruck bringen, dass sie es sich oft leisten können, einander zu hassen. Aber die Umstände, in die sie geraten sind, klingen immer wieder falsch, sei es der breit angelegte Drogenrausch bei einem Hippie-Bein oder die gemeinsame Introspektion, die über „gefühlvoll“ hinausschießt, um in „hohl“ zu landen. Die präskriptive, unbeholfene Handlung wird im dritten Akt, in dem die Räder vom Wagen rollen, nur noch schlimmer, da die liebenswerte Plausibilität der Hauptdarsteller der Fälschung, die sie umgibt, nicht gewachsen ist.

Der Spanier Patxi Amezcua versucht hier einen schnellen Durchbruch zu erzielen, indem er den x-ten okkulten Serienmörder-Thriller (er ist ein bekennender Fan von „True Detective“) als etwas Neues ausgibt, indem er ihn in den Anfängen von COVID-19 verortet. Aber das Setting hat keinerlei Einfluss auf die Handlung, die unentwickelt ist, abgesehen davon, dass die Bühnenausstattung ständig und aufdringlich in den Vordergrund gedrängt wird. Masken, die so lange getragen werden, bis sie abgelegt werden können, und tränenreiche Zoom-Sessions mit den Kindern tragen nur einen oberflächlichen Anstrich auf die am meisten ausgespielten Komponenten der pompösen Seite des Krimi-Genres. Die letztendliche Enthüllung, dass der Täter ein Typ ist, der aus noch vagen Gründen ein vages Ritual durchführt, ist enttäuschend, aber für einen Film, der nur die geringste Ahnung hat, warum er existiert, völlig angemessen. Da es sich um ein Dokument seiner Zeit handelt, kann es keinen Einblick in die Aspekte der Pandemie-Reaktion bieten, die speziell für Nordspanien gelten. Die quälende Frage, warum Amezcua das Coronavirus ansprechen würde, wenn er kein Interesse daran hätte, sich ernsthaft damit auseinanderzusetzen, lädt nur zur wenig schmeichelhaften Antwort einer billigen Aufmerksamkeitsgewinnungstaktik ein.

Chihiro (Kasumi Arimura) – ehemalige Sexarbeiterin und Thema des Mangas Chihiro-san, den Regisseur Rikiya Imaizumi hier adaptiert – schwebt mit der Ziellosigkeit einer existenziellen Wanderin durch ihre Ecke eines Vororts Japans, ihre scheinbar unzusammenhängenden Taten werden weniger durch Handlung als vielmehr durch Verschiebungen organisiert Philosophien. Mit gnädiger Dankbarkeit heilt Chihiro die Menschen um sie herum und hilft ihnen, um die Zufälligkeit des Lebens zu verstehen, ein grausames Glücksspiel, das so banal sein kann wie tägliche Besorgungen oder so tragisch wie der Tod eines einsamen Mannes. Der Ton ist meditativ und ruhig, aber verwechseln Sie das nicht mit sanften Themen. Chihiros unerschütterliche Haltung täuscht über die drückende emotionale Intensität einiger Szenen hinweg – alle ohne theatralische Dramatik. Was ihre ziellose Odyssee ausmacht, liegt bei uns, und jede Erkenntnis ist gleichermaßen gültig: dass wir füreinander sorgen müssen, dass wir für unser eigenes Wohlbefinden eintreten müssen, dass diese beiden untrennbar miteinander verbunden sind.

Der Haken am Cyber-Thriller des Schauspielers und Regisseurs Kim Tae-joon ist scharfsinnig genug, um Blut zu fließen: Ein Serienmörder (Im Si-wan) betreibt eine Technik-Reparaturwerkstatt und installiert Spyware auf den Telefonen seiner Opfer, damit er praktisch jeden von ihnen ausspionieren kann Bewegen Sie sich, spielen Sie mit ihnen, bevor Sie schließlich zuschlagen. Ungeachtet einiger cleverer Spiele mit POV-Aufnahmen direkt aus „Decision to Leave“ liegt das Problem in Kims Fortsetzung – von der Idiotie des gefährdeten Lee Na-mi (Chun Woo-hee) bis zur ungeschickten Nebenhandlung mit einem Polizisten ( Kim Hee-won), der möglicherweise der Vater des Täters ist. Der Spannungsaufbau, der quälend allmählich erfolgen sollte, kommt stattdessen träge daher, nicht unterstützt durch eine langweilige visuelle Palette ohne jegliche expressionistische Intensität, die dem psychologischen Extremismus gerecht wird. Der innovative Ansatz des Katz-und-Maus-Setups verdient ein Drehbuch, das seinem teuflischen Einfallsreichtum ebenbürtig ist.

Der Filmemacher Christopher Landon schien ein gutes Gespür für die Horrorkomödie in dem körpertauschenden Slasher-Film „Freaky“ zu haben, aber als er sich für Netflix entschieden hat, hat er viele der Mängel des Hauses in Kauf genommen: eine aufgeblähte Laufzeit, eine aufgepfropfte Krimi-Plot, der sich an Wendungen im späten Spielverlauf und einer erdrückenden visuellen Flachheit orientiert. Die Presleys (angeführt von Anthony Mackie, einem dieser Väter, die in Familienfilmen immer auffallen müssen) sind gerade in ein prunkvolles neues Wohnhaus mit einem gespenstischen Hausbesetzer (einem blassen und gekämmten David Harbour, dem es nicht ratsam ist, auf Dialoge zu verzichten) umgezogen. Natürlich verwandeln die Söhne (Jahi Di'Allo Winston und Niles Fitch) diesen eindringlichen Film in einen viralen Superstar, der einen Regierungsagenten (Tig Notaro) und einen Weltraumkadetten-Hellseher (Jennifer Coolidge, die Rettung in all dem) anzieht, aber natürlich , entwickeln die Jungen eine Affinität zu dem immateriellen Schlingel und erklären sich bereit, dabei zu helfen, die Ursache seines Todes vor all den Jahren herauszufinden. Wie bei der titelgebenden Erscheinung bleiben uns nur ungelöste Bedauern: Wenn nur der Humor frischer wäre, wenn nur der Text einer stabileren inneren Logik folgen würde, wenn nur die gruseligen Teile gruselig wären, wenn, wenn, wenn …

Die Stadt Medellín war einst die Heimat von Pablo Escobar und ist bis heute das Epizentrum der boomenden Kokainindustrie Kolumbiens. Sie bietet einen turbulenten Hintergrund für diesen lyrischen Einblick in das Leben von fünf Straßenkindern, die versuchen, sich ein Stück Welt zu erkämpfen. Was den De-facto-Anführer Rá (Carlos Andrés Castañeda) betrifft, so ist das wörtlich; Das Gebiet, das die Kolonisten seiner vertriebenen Großmutter vor Jahren entrissen hatten, wurde ihm im Rahmen eines staatlichen Rückgabeprogramms zurückgegeben, und er muss nur noch in das gelobte Land gehen. Die Reise dorthin wird mit Gefahren und kleinen Erleichterungen der Menschlichkeit verbunden sein, die ihnen von den freundlichen Trans-Hotelangestellten und Sexarbeiterinnen mittleren Alters geboten werden, denen sie unterwegs begegnen. Ihr Weg ist ein Querschnitt durch die verschiedenen Bevölkerungsgruppen, die darum kämpfen, in dieser Umgebung zurechtzukommen feindselig gegenüber jungen Männern. Die Akademie hat die Einreichung Kolumbiens bei der Zusammenstellung ihrer Auswahlliste für den besten internationalen Spielfilm vielleicht übersehen, aber sie ist ein Beispiel für die Kombination aus Kunstfertigkeit und regionaler Identität, die globale Kuriositäten belohnt.

Die Co-Autoren Jonah Hill und Kenya Barris peppen die Rassenbeziehungen zwischen Schwarzen und Juden mit einer packenden Culture-Clash-Komödie auf, die das erbärmliche Unbehagen von „Meet the Parents“ mit einer Umkehrung des sozialen Kommentars in „Guess Who's Coming to Dinner“ verbindet. Barris führt Regie und Hill spielt Ezra, einen sonst eher arroganten Podcaster, der Turnschuhe sammelt und sein Liebesleben anhand der Diskografie von Drake verarbeitet. Seine Coolness bricht zusammen, als er eine schwarze Freundin (Lauren London) bekommt und ihren militanten muslimischen Vater Akbar beeindrucken muss (Eddie Murphy, reserviert). Er stolpert in jede ihm gestellte Falle – bei seinem ersten Treffen mit Akbar bezeichnet er Malcolm Anti-Vaxx-Neigungen oder seine Beschwörung der Größe von Louis Farrakhan vor Ezras jüdischen Eltern (Julia Louis-Dreyfus und David Duchovny). Die Zielgerade greift auf die Ausarbeitung von Klischees zurück, indem sie den Fokus von gesellschaftlichen Beziehungen auf eine einzelne romantische Beziehung verlagert, kommt aber zu dem festen und zunehmend unumstrittenen Schluss, dass weiße Menschen zwar nie wissen können, wie es ist, schwarz zu sein, dass es aber das Erste ist, so viel zu akzeptieren Schritt, damit alle miteinander klarkommen.

Netflix‘ inoffizielle Serie obskurer Nebenhandlungen zum Zweiten Weltkrieg (darunter unter anderem „Operation Mincemeat“ und „München: The Edge of War“) erhält einen neuen Eintrag mit dieser Erzählung über die Invasion der deutschen Armee in Norwegen, einem neutralen, aber strategisch wichtigen Land, während des Zweiten Weltkriegs Zweiter Krieg. Gunnar (Carl Martin Eggesbo) dient in der „Neutralitätswache“ zum Schutz der friedlichen Grenze, gerät jedoch in Gefangenschaft der Nazis; Seine Frau Ingrid (Kristine Hartgen) wird vor die Wahl gestellt, entweder als Dolmetscherin für die feindlichen Besatzer zu fungieren oder dem sicheren Tod ins Auge zu blicken. Der Film springt zwischen ihren jeweiligen Nöten hin und her, wobei seine Organisationsmotivation eine Hommage an das Leiden und die Widerstandsfähigkeit des norwegischen Volkes ist, das nicht einmal eine Pause einlegen kann, als das „befreiende“ US-Militär einstürmt und zu schießen beginnt, ohne zwischen Zivilisten und Soldaten zu unterscheiden. Der Film erzählt zwar erbaulich vom Ausmaß der Verwüstung im Zweiten Weltkrieg, doch die Handlung an der Front und in der Heimat tendiert dazu, dahinzutrotten wie erfrorene Truppen, die durch den knirschenden Schnee stapfen.

Mit diesem einfallsreichen Techno-Thriller, der im 22. Jahrhundert spielt, nimmt der südkoreanische Genre-Außenseiter Yeon Sang-ho (Regisseur von „Train to Busan“ und „Psychokinese“ auf Netflix) eine einfühlsame Haltung zum Thema KI ein, die normalerweise als gefährliches Konzept angesehen wird, wenn sie nicht geformt wird in einem dystopischen Science-Fiction-Genre wie diesem zu einem regelrechten Bösewicht werden. Mitten in einem Weltraumkrieg transplantiert eine Robotikerin (die auf tragische Weise verstorbene Kang Soo-yeon) das Bewusstsein ihrer komatösen Söldnermutter (Kim Hyun-joo) in einen fehlerhaften, aber merkwürdig menschlichen Androiden. Die edle Arbeit, neues Leben zu erfinden, hier ein Versuch-und-Irrtum-Verfeinerungsprozess, bei dem ein Kind die Gunst der Erziehung durch seine Eltern erwidert, ist die höchste Berufung; Der wahre Bösewicht ist das Aufsichtsgremium, das versucht, das Robotikprogramm zu schließen, und der Film spart sich seine heftigste Klage über eine besonders groteske Form der Misshandlung des JUNG_E-Modells. Trotz aller neuartigen Ideen ähnelt Yeons mit Stahlpaneelen und Leuchtstäben beleuchtete Vision der Welt von morgen jedoch zu vielen anderen zu sehr.

Christian Bale ist in der Rolle eines Detektivs, der um 1830 einen okkulten Mörder verfolgt, so robust wie rohes Leder und erweist sich als unschätzbare Bereicherung für diesen manchmal unsicheren historischen Thriller. Zusammen mit der talentierten Ensemblebesetzung, zu der Gillian Anderson, Timothy Spall, Toby Jones, Charlotte Gainsbourg und Robert Duvall gehören, bereitet Bale den Laden vor, während sich die Leichen mit fehlenden Herzen ansammeln. Die Ermittlungen von Detective Augustus Landor werden vor allem von einem jungen Kadetten namens Edgar Allan Poe (Harry Melling) unterstützt, der einem Konzept, das einst als Pointe in „Party Down“ diente, eine bodenständige Zerbrechlichkeit verleiht. Sie alle haben ihre Geheimnisse, von denen das größte dem anhaltenden Netflix-Fetisch für heikle Wendungen in der 11. Stunde nachgeht, obwohl alles nur dazu dient, Bale mehr Fleisch zum Knabbern zu geben. Sein hagerer Blick ist von Resignation durchdrungen, die sich langsam in Rache verwandelt; Er ist einer der wenigen Schauspieler mit der Ernsthaftigkeit, die nötig ist, um die völlige Selbsternsthaftigkeit des pompösen Regisseurs Scott Cooper zu vermitteln.

Kritiker von Martin Scorsese erheben eine Menge Vorwürfe gegen ihn – er hat kein Interesse an seinen weiblichen Charakteren, er romantisiert kriminelle Sadisten, er hat Stil und wenig Substanz –, aber diese polnische Kopie von Goodfellas ist tatsächlich der Film, den Spielerhasser dem echten Artikel vorwerfen zu sein. Mit einem bescheidenen Budget über mehr als zwei Stunden zeichnet dieses verrückte Epos den Aufstieg eines hungrigen Emporkömmlings durch die Ränge der Bandenwelt nach und leiht sich dabei die Musik von Wand zu Wand, die herabstürzenden Kamerawagen und die feurige, verkokte Energie von Henry Hill's Wiseguy-Memoiren. Aber es gibt keine Möglichkeit, den Meister nachzuahmen, was sich in der Nachlässigkeit der feinen Striche zeigt: dass unser namenloser Mann (Marcin Kowalczyk) sich an einen Moralkodex hält, sodass wir keine komplizierten Gefühle für ihn hegen müssen, dass seine Frau (Natalia Szroeder) bietet ein klares unterstützendes Lächeln und kaum mehr, dass die Kinematographie im erniedrigten Hedonismus schwelgt, ohne die darunter liegende krankhafte Leere aufzudecken. Jeder möchte Marty sein, aber er vollzieht einen tückischen klanglichen Drahtseilakt, von dem seine Nachahmer abfallen.

In diesem fiktiven Begleitfilm zum gleichnamigen Dokumentarfilm des Filmemachers aus dem Jahr 2019, Nosotras, konzentriert sich Regisseurin Natalia Beristain weiterhin auf die mexikanische Epidemie von Entführungen durch organisierte Kriminelle. Sie richtet ihren Fokus auf den geschlechtsspezifischen Aspekt dieser weit verbreiteten Gewalt, indem sie den Fall der vermissten Gertrudis herausgreift, die von ihren unermüdlichen Eltern Julia (Julieta Egurrola) und Arturo (Arturo Beristain, Vater von Natalia) hartnäckig gesucht wird, und sei es nur, damit sie es könnten habe den Abschluss ihres Todes. Ihre entmutigende Suche nach der Wahrheit führt uns nicht nur durch ihre erdrückende Trauer, sondern durch ein ganzes soziales Ökosystem, das rund um diese Gemeinschaft der Betroffenen entstanden ist, von den desinteressierten Behörden unter der Fuchtel lokaler Banden bis hin zu Bürgerinitiativen, die die Arbeit leisten, die die Betroffenen leisten Polizisten werden es nicht tun. Informativ ohne Didaktik, bewegend ohne Ausbeutung, nutzt der Film Einblicke in das wirkliche Leben (eine Handvoll Laienschauspieler legen ihre emotionalen Narben vor Beristains mitfühlender Kamera offen), um die Dringlichkeit der größeren Krise, die er beschreibt, zu unterstreichen.

Netflix hat sich die Rechte für diese Fortsetzung einer in Kenia beliebten Liebeskomödie gesichert, den zweiten Teil eines Yoruba-Riffs über das Liebe-Tatsächlich-Stil-Mosaik von Paarungen. Anlässlich einer traditionellen Hochzeit in Mombasa kommt eine Gruppe einsamer Menschen zusammen: der Bindungsphobiker, der nicht erkennt, dass er sich beruhigen muss, das Paar, das eine schwierige Phase durchlebt, die verlassene Frau, die versucht, sich von ihrem betrügerischen Ex zu erholen. Sie teilen sich den Raum mit einigen anderen Erzählsträngen und sind alle in einem Film zusammengepfercht, der sie durch die Handlungsstränge drängt, ohne jemandem Raum zum Atmen zu lassen; Wie bei jeder Hochzeit scheint alles gehetzt und hektisch zu sein, bis zur eigentlichen Zeremonie die Gelegenheit zum Innehalten und Nachdenken die sentimentalen Auslöser aktiviert. Das Zucken der Herzen ist kein Aufwand, aber diejenigen, die aus dem gleichen Grund, aus dem man an einer Hochzeit im Ausland teilnimmt, auf „Spielen“ drücken – üppige Landschaften, die Möglichkeit für eine Verabredung, ein bisschen Spaß an einem unbekannten Ort –, werden feststellen, dass ihre Erwartungen erfüllt werden.

Während einer Wanderung durch die Appalachen Mitte der 90er Jahre verliert der Student Fielding Marshall (Johnny Berchtold) seinen engelhaften Hund Gonker, und die anschließende Suche bringt den Gen Xer in einer Dynamik, die sich leicht nachbilden lässt, seinem arbeitssüchtigen Vater (Rob Lowe) näher Die heutigen Spannungen zwischen den Generationen. Das pure Pathos der Liebe zwischen dem Jungen und seinem treuen Begleiter kann einen Film ziemlich weit bringen, aber Regisseur Stephen Herek zwingt den Rest der Welt dazu, so gesund und ernst zu sein wie der süße, zuverlässige Trefferjäger Gonker (so genannt, weil er einmal vögelte). Whippersnapper Fielding auf dem Kopf). Niemand verhält sich wie eine echte Person, weder die Biker-Gang mit ihren trüben Gefühlen noch die Mutter (Kimberly Williams-Paisley), die nur versucht, dieses neumodische „Internet“ zu verstehen, von dem sie immer wieder hört, alle zweidimensional optimistisch. Das Seltsamste von allem ist, dass dieser unauffälligen wahren Geschichte die Berühmtheit zugeschrieben wird, die eine Spielfilmbehandlung verdient, wobei das Verschwinden eines Hundes als virales Phänomen in einer Welt vor dem Internet behandelt wird.

Eryk (Piotr Witkowski), die wandelnde Falle selektiver Moral im Mittelpunkt dieser wahnsinnigen polnischen schwarzen Komödie, ist kein Stiefvater – er ist der Vater, der sich für die Erziehung des jungen Tytus einsetzte, während seine Freundin Angst vor einem Kind hat, dem die Vertreibung droht Schule. Mit dem Läuten der Weihnachtsglocken in der Luft stürmt er in ein laufendes Krippenspiel, um im Namen des kleinen Tytus vor der Cliquen-Elternärztin Filibuster zu machen und argumentiert, dass das Kind die Chance verdient, aufzuwachsen und sich zu verbessern, das sei wohl der Sinn der formalen Bildung. (Dass das Kind wirklich böse sein könnte, gibt Eryk oder dem Film um ihn herum keine große Besorgnis; welcher Sechsjährige ist das nicht?) Wie in Yasmina Rezas aufrührerischem Stück God of Carnage fangen die Erwachsenen an, sich wie überwachsen zu benehmen Gören, während sie die Konflikte ihrer Nachkommen für sich austragen, wobei die tyrannische Bienenkönigin Justyna (Lena Gora) als Eryks Erzfeind in den Vordergrund rückt, der gestürzt werden muss. Als selbsternannte perfekte Mutter ist es ein wahres Vergnügen, sie zu hassen, denn ihr selbstgefälligerer Erziehungsansatz ist bei weitem nicht so schlecht wie Eryks ehrlicher Dreckskerl.